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Bienvenue dans mon univers

Je m’appelle Sonia Hivert, je suis artiste, exploratrice d’imaginaires, chercheuse de résonances.

Ma Démarche artistique :

Mon travail artistique s’inscrit dans une filiation discrète mais affirmée avec certaines figures du surréalisme au féminin, notamment Leonora Carrington, Remedios Varo et Dorothea Tanning. À l’instar de ces artistes, elle ne cherche pas à représenter l’imaginaire du rêve comme une rupture spectaculaire du réel, mais comme une continuité souterraine, une strate invisible du monde sensible.

Mes compositions mettent en scène des figures, féminines en particulier, traversées par des forces naturelles — eau, lumière, végétation, halo cosmique — dans lesquelles le paysage devient prolongement psychique du corps. L’espace n’y est pas un décor mais une cartographie intérieure. Routes, horizons circulaires, étendues aquatiques ou champs vibratoires fonctionnent comme des seuils, des passages initiatiques entre états de conscience.

La présence animale, loin d’être anecdotique, agit comme médiation symbolique. Les créatures qui accompagnent ou entourent les figures semblent incarner des messagers, des doubles intuitifs ou des fragments d’identité en transformation. Cette logique de métamorphose — corps-racine, corps-eau, corps-lumière — inscrit l’œuvre dans une dynamique alchimique où l’être n’est jamais figé mais en perpétuelle traversée.

Cependant, contrairement à la densité narrative souvent présente chez Leonora Carrington ou Remedios Varo, je développe une écriture plus épurée, presque méditative. Mes images se déploient dans une atmosphère suspendue, où le silence et la fluidité dominent. L’émotion y prime sur l’énigme. Le mystère n’est pas dramatique ; il est contemplatif.

Ainsi, mon travail participe d’un héritage surréaliste réinterprété : non pas comme exploration du hasard ou de l’automatisme, mais comme investigation sensible des états intérieurs, de l’identité et de la relation intime entre le corps féminin et l’univers.

Mon processus créatif :

Mon travail navigue entre dessin et peinture, entre la précision du trait et l’ampleur chromatique. Cette dualité structure ma recherche plastique : d’un côté, l’intimité du papier ; de l’autre, l’espace expansif de la toile. Deux territoires qui dialoguent, se répondent et parfois se confrontent.

Avec l’aquarelle, le pastel et le crayon, je développe une pratique en technique mixte fondée sur la superposition et l’effacement. Le dessin constitue pour moi un espace d’exploration sensible, presque organique. Les lavis d’aquarelle ouvrent des zones de respiration, des champs translucides où la lumière circule librement. Le pastel densifie certaines formes, apporte une matière douce et vibrante. Le crayon, quant à lui, vient structurer, préciser, parfois contredire. Je travaille par strates successives : j’ajoute, j’atténue, je gomme, je révèle. L’image se construit dans un mouvement de dévoilement progressif, comme si elle émergeait d’un espace intérieur plus vaste.

En peinture, à l’huile et à l’acrylique, le processus se transforme sans perdre cette logique de couches. La toile m’offre une profondeur différente, une temporalité plus lente. Je construis la surface par accumulations successives : glacis, aplats, matières plus épaisses. Il m’arrive de gratter certaines zones, de faire réapparaître des couleurs enfouies, créant ainsi une tension entre apparition et disparition. La lumière devient un élément central : elle traverse les couches, révèle les reliefs et donne corps à des paysages intérieurs où se mêlent mémoire, imaginaire et intuition.

Cette circulation entre dessin et peinture s’inscrit dans une filiation avec les artistes femmes surréalistes, pour qui l’exploration de l’inconscient, du rêve et de l’hybridation constituait un acte d’affirmation et de liberté. À leur suite, je conçois l’image comme un espace de transformation : les figures peuvent se métamorphoser, les frontières entre humain, végétal et symbolique s’estomper. Le féminin n’y est pas représenté comme une identité figée, mais comme une force mouvante, un territoire de passage et de réinvention.

Mon processus artistique repose ainsi sur une tension féconde : maîtriser le geste tout en laissant place à l’inattendu ; structurer l’image tout en accueillant ce qui advient. Dessiner et peindre deviennent des manières d’interroger l’invisible, de donner forme à des états intérieurs, et d’ouvrir un espace de résonance sensible avec le regardeur.